Daft Punk
パリ — フレンチ・タッチ · ロボット

Discovery（2001年3月）とHuman After All（2005年3月）の間の2001年10月、Daft Punkは奇妙な作品を発表した：Alive 1997。一つの途切れない曲として録音された47分間 — 四年前の1997年11月8日、バーミンガムのQue Clubでの音源である。それはアーカイヴ盤であり、時間のずれた盤であり、BangalterとGuy-Manuelがヘルメットなしでステージに立った最後の瞬間を振り返る盤である。

録音時のコンテクストが重要である。1997年11月：Homeworkが発売されて十ヶ月が経過し、デュオは最小限のステージング（二台のコンソール、映像投影）でヨーロッパをツアーしていた。その夜Que Clubで、彼らはつながれたDJセットを演奏した — ロック的な意味でのコンサートではなく、Homeworkの曲が110 BPMで演奏され、十分間のヴァージョンに引き伸ばされ、スタジオ版とは異なるループに再構成された長いミックス・セッションである。ヘルメットなし。まだピラミッドもない。ただ二人の男が、イギリスのクラブで自分たちのアルバムをミックスしている。

2001年に発表するという編集上の決断 — 1999年のヘルメット採用とDiscovery発表の後 — は戦略的に意図的なものである。Daft Punkはロボット・ペルソナが確立するのを待ってから、それ以前の録音を公開した。それは対比による顔の再導入である：彼らがまだ可視であったときの音がどのようなものだったかを聴き、彼らが何になったかとの差異を測ることができる。ヘルメットという不変要素はここで対立によって定義される。以前は人間だった；後には機械-作品となった。Alive 1997はその境界を記録する。

形式の観点からも、この盤は何かを発明している。一つのトラックとしての47分間 — 中間インデックスなし、曲間の区切りなし。聴き手はDa FunkやAround the Worldへスキップすることができず、演奏された通りの順序でミックス全体を横断しなければならない。これは2001年の電子アーティストのライヴ盤としては稀である — クラブ・シーンのライヴ・アルバムのほとんど（Sasha & Digweed、Paul Oakenfold）は聴きやすさのためにセットを4〜6分のトラックに切り分ける。Daft Punkはこの分割を拒む。ミックスが作品であり、それを構成する曲ではない。これはAround the Worldをより大きな規模で展開した同じ文法である：全的建築としてのループ、論拠としての持続時間。

もう一つの構造的な興味：Alive 1997で聴かれるものはHomeworkではない。それは再構成されたHomeworkである。Da Funkはより速いテンポで演奏され、Around the WorldはBurnin’と絡み合い、Rollin’ & Scratchin’はスタジオ版より長いヴァージョンで登場する。セットはHomeworkの曲がシャンソンではなく素材であり、可変的、再組み合わせ可能、弾力的であることを実証している。この可塑性はAlive 2007が六年後にHuman After Allに対してやること — マッシュアップによる復権 — を正確に予見している。

その影響力はAlive 2007ほど劇的ではないが、プロデューサーたちに対しては現実的なものである。Justice（AugéとRosnayのデュオ）は、ベスト盤以上の何かであるライヴ盤を出せることを理解させてくれたものとしてAlive 1997を挙げている。James Murphy（LCD Soundsystem）は、Paradise GarageでのLarry Levanのアンダーグラウンドなテープの系譜における連続録音されたセットの参照として、インタビューで言及している。このディスクは発売当時大きな売上を記録しなかった — 数年後に理解されることになる。

そしてそれは身振りによってAlive 2007を準備している：Daft Punkは、Martin Phillipsのピラミッドの六年前に、ライヴはスタジオの副産物ではないことを実証した。スタジオがアルバムを作り、ライヴは別の作品を作る。この区別 — ジャズでは陳腐、1997年の電子ポップではほとんど未知 — はAlive 1997によって提示された。Alive 2007がそのマッシュアップとピラミッドとともに到達するとき、それはAlive 1997がサウンドにおいて提示したことを映像において実行する：二つの異なるメディアのための二枚の異なるディスク。

Human After All（2005年）とRandom Access Memories（2013年）の間、Daft Punkは八年間スタジオ・アルバムを発表しない。しかし2006年と2007年、彼らは何か別のことをする — 電子音楽における「ライヴ演奏」の意味を続く二十年にわたって再定義することになる何かを。

ピラミッド。デザイナーMartin Phillipsとともに構想されたAlive 2007のステージは、数メートルの高さの三角形の構造体であり、リアルタイムで制御されたLEDスクリーンとライトで全体が覆われている。BangalterとGuy-Manuelは内部で演奏し、照らされたヘルメット以外は構造体に隠れて見えない。Coachella 2006がこのツアーの最初のコンサートであった — 携帯電話で撮影され、まだ黎明期にあったYouTubeで配信され、その言葉の現代的な意味が存在する前にヴァイラルになった。映像は数ヶ月にわたって拡散した。ピラミッドの中の二人の人間がそれをどのようにやってのけたか、誰もが理解しようとした。

ピラミッドが行うことは、曲の構造を可視化することである。LEDテープはミックスのミリメートル単位でカラーとリズムを変える。各トランジション、各フィルター開口、各キックが光の反応を引き起こす。Daft Punkの主要な論拠 — 建築としてのループ — は文字通り光の建築となる。それはもはや電子的なスペクタクルではない。それは視覚的な楽譜である。

そしてHuman After All、2005年に批評家がその反復性のために冷遇したアルバムは、別の次元を獲得する。EurythmicsのOh Yeahと絡み合わされたRobot Rock。Around the Worldに重ねられたTechnologic。TechnologicとマッシュアップされたHarder Better Faster Stronger。デュオの最も質素な曲がライヴのための最良の素材となる — まさにその質素さがそれらを柔軟にし、可塑的にし、崩壊することなく他の層を担えるものにしているからである。

このツアーの影響は直接的かつ測定可能である。Swedish House Mafia、Deadmau5、Skrillex — 2008年から2014年にかけて爆発するEDMシーン全体がAlive 2007を参照として挙げる。ピラミッドは数十の精巧なステージにインスピレーションを与えた。Coachellaが電子コンサートの参照点となったのは、Daft Punkが何が可能かを示したことが部分的な理由である。デュオが2006年、次いで2007年に戻ってきたとき、各コンサートはもはやクラブのイヴェントではなく、グローバルなポップ・カルチャーのイヴェントとなった。

ライヴ盤Alive 2007は2007年11月、パリ（ベルシー）での録音として発表された。2009年にグラミー最優秀エレクトロニック/ダンス・アルバム賞を受賞した。そしてDaft Punkは再び姿を消す — Random Access Memoriesまでの六年の沈黙。ピラミッドは彼らの最も完成された作品だったかもしれない。アルバムではなく、一つの存在として。